Cuando los escritores hacemos una entrevista o hablamos en una presentación, rara es la ocasión en que no decimos que para nosotros el lector es lo más importante. Y en la mayoría de casos os puedo asegurar que somos totalmente sinceros. ¿Pero hasta qué punto pensamos en el lector cuando estamos escribiendo una novela? ¿Existe una figura literaria con la que guiarnos para no perder de vista nuestro público? Pues la verdad es que sí, y tiene nombre: la adecuación. En este artículo os voy a hablar de este aspecto tan fundamental y que damos tan por supuesto que muchas veces ni lo cuidamos. Señoras y señores, con todos ustedes: la adecuación. Qué es la adecuación   Cuando está no la notamos, pero su ausencia es capaz de estropear cualquier obra. La adecuación es en realidad muy fácil de describir: se trata de la propiedad por la cual cualquier texto comunicativo se adapta al contexto para el que fue creado. Sencillo, ¿verdad? Pero hay más tela que cortar. Porque la clave de la cuestión está precisamente en eso que llamamos contexto, o sea, la situación en la que debe desarrollarse el texto. Pongamos un ejemplo de la vida real: imagínate que te toca declarar como testigo en un juicio (tranquilo, nada serio); el juez te hace las preguntas y a ti te da por responderle tuteándole y hablándole como si fuera tu colega. Mala idea. Todos estaremos de acuerdo en que lo correcto sería «adecuarse» a la situación y hablarle al juez mostrando respeto, seriedad y educación. Al fin y al cabo, es una persona que no conocemos y cuya autoridad exige un trato formal. Pues con los textos comunicativos, entre los que está cualquier novela, el escritor también debe adaptarse a las circunstancias. ¿Y cuáles son estas? Vamos a ver las más importantes. La adecuación, conexión entre autor y lector   Es bastante obvio que, independientemente del género en el que escribamos nuestras novelas, pueden existir diversos tipos de público al que vaya dirigido. Existen libros de fantasía para adultos o niños, novelas históricas para un lector más generalista y otras que buscan a lectores más acostumbrados al género, u obras románticas centradas en un público femenino. En todos estos casos el autor debe adaptarse a las particularidades de la gente a la que pretende dirigir sus libros y por tanto narrar en consecuencia. Si hoy escribimos un cuento para niños no lo haremos del mismo modo que cuando la semana pasada estábamos enfrascados en ese relato que nos pidieron para una antología solidaria dirigida a víctimas de violencia de género. Lo cual nos lleva al siguiente punto, directamente conectado con este. La adecuación, el tema y el género   No es exactamente lo mismo el tema que el género, por cierto. El género vendría a ser la clasificación formal de la novela, pero dentro de cada uno de ellos puede existir variedad en los temas a tratar. En cualquier caso, para no alargarnos excesivamente, ambos deben vigilarse a la hora de escribir y no salirse de unos parámetros marcados de antemano. El tratamiento que exige una novela de ciencia ficción es muy distinto al que requiere una novela histórica (aunque en ocasiones se entremezclen formando híbridos, tal y como yo mismo hice en «La boca del Diablo». Su público es distinto y esperan obras diferentes. Es muy posible que un aficionado al thriller desespere ante las largas descripciones de «El Señor de los Anillos», mientras que un fan de la fantasía estará más que encantado. Una vez más, vamos a tener que adecuarnos a estas circunstancias. El propósito del autor, clave de la adecuación   Independientemente de lo que impongan las normas establecidas, el autor siempre tendrá sus propias intenciones. De hecho esa es la mayor virtud de cualquier disciplina artística, la de destrozar lo establecido para aportar algo nuevo. Sea más o menos conservador, el escritor puede desear por ejemplo que su obra de ciencia ficción tenga un componente más intimista, o que su trilogía fantástica explore más el desarrollo de los personajes por encima del propio argumento. Hay escritores que por naturaleza buscan ser transgresores, escandalizar al lector, provocar en él emociones que incluso podrían considerarse contraproducentes. Sea cual sea el caso, el escritor debe adaptarse a la premisa que él mismo ha elegido y ser fiel a ella a lo largo de toda la obra. No habría tenido sentido que Nabokov desarrollara toda su «Lolita» tal y como lo hizo para al final darle un final feliz y bucólico. El formato   En la definición de formato se pueden englobar diversos aspectos. Lo primero que se nos viene a la mente hoy en día es si hablamos de una novela en papel o en digital. No tienen por qué suponer una diferencia a la hora de tratar el texto, pero puede serlo. Existen tendencias claras en la publicación exclusivamente digital, como la menor extensión de las obras, que exigirían un acercamiento diferente a la publicación tradicional en papel, donde estamos más acostumbrados a novelas de muchas páginas. Y más páginas significa por ejemplo una trama más compleja, un mayor desarrollo de los personajes o una narrativa más elaborada. Por otra parte, con formato también podríamos entender las claras diferencias entre novela y novela ilustrada, que exige que el texto tenga en cuenta las imágenes que lo acompañan. O las novelas por capítulos, comunes en el pasado cuando se publicaban por entregas en revistas especializadas, y que tuvieron un nuevo auge gracias a los blogs. Un ejemplo patrio y actual sería «Dido, reina de Cartago», que la alicantina Isabel Barceló publicó por entregas en su blog Mujeres de Roma y que luego dio el salto a una publicación tradicional. Todos estos tipos de formato exigen, una vez más, que se adapte a las particularidades de cada uno de ellos a través de la adecuación. Conclusiones   Como veis, son muchos los aspectos a tener en cuenta cuando un autor debe plantearse cómo abordar su novela, en

No es la primera vez que hablamos de uno de los elementos más importantes en toda novela, el detonante. Ya sabéis, es ese punto de la historia en que el mundo del personaje salta por los aires y da comienzo al conflicto que nuestro protagonista tendrá que superar (o no). Os hablamos de esto de manera genérica, tanto en el artículo «Cómo usar un detonante para tu novela» como en uno más específico «Usa un detonante en la novela histórica». Sin embargo, el detonante principal de una historia no siempre es fácil de reconocer. En ocasiones se puede confundir con otro momento que, aunque también tiene importancia, no es realmente el desencadenante de la trama. Así que para aclarar por completo este aspecto tan fundamental vamos a utilizar de ejemplo a tres superhéroes de sobras conocidos, y sin duda los más reconocibles de otro tipo de literatura: los cómics. El detonante del héroe trágico No importa si os gustan los cómics o no, todos conocéis a Bruce Wayne, millonario de día y justiciero callejero de noche. De Batman sabemos perfectamente cuál es su origen como luchador contra el crimen: una noche cualquiera, cuando Bruce y sus padres salían del cine, un atracador los abordó de malas maneras. El ladrón se puso nervioso y acabó disparando a los Wayne, dejando al pobre Bruce sólo, llorando junto a los cadáveres de sus padres. En este caso no hay duda alguna, ¿verdad? Así es, y por ello lo he utilizado como el primer ejemplo: es en ese momento cuando Bruce se jura a sí mismo que dedicará su vida entera a combatir el crimen, evitar que otros pasen por lo mismo que él y, ya de paso, descargar toda su ira a base de guantazos contra los malos. Algunos entendidos del personaje podrían aducir que en realidad Batman no nació con la muerte de los Wayne, ya que por aquel entonces no tenía en mente la creación de su alter ego. En parte sería verdad, pues la idea de adoptar la apariencia de un murciélago humano vino mucho después, pero el germen para que el heredero de los Wayne se convirtiera en un justiciero surge, indudablemente, con la muerte de sus padres. Este es el detonante de Batman. El detonante del Hijo de Krypton Con nuestro siguiente ejemplo, que necesita incluso menos presentación, las cosas empiezan a complicarse. Superman es un personaje con matices maravillosos. Es sin duda el mejor ejemplo moderno del arquetipo de héroe tradicional (no te pierdas nuestro artículo sobre los arquetipos): el defensor del débil, de la justicia y la libertad. Un faro de esperanza, radiante y luminoso (a diferencia de Batman, que representa el miedo y la oscuridad para los villanos). Que el máximo exponente de lo mejor de la Humanidad sea un extraterrestre resulta fascinante. ¿Pero por qué Clark Kent se convierte en el héroe más grande de todos? Lo primero en lo que pensamos es en la destrucción de su planeta natal, Krypton. Ese es el momento en que sus padres biológicos lo envían de viaje hasta la Tierra, donde el Sol le otorgará sus poderes sobrehumanos. Sin embargo, no podemos considerar como el detonante ni la aniquilación de su hogar ni la llegada a nuestro planeta. Ninguna de esas dos cosas lo convierte en Superman, sólo en un chico con grandes poderes. El detonante de Superman es otro, distinto dependiendo del medio en el que indaguemos. En la película clásica protagonizada por Christopher Reeve es la muerte de su padre adoptivo la que le impulsa a descubrir su origen y luchar contra el mal del mundo. Sorprendentemente, en los cómics no existe un momento bien definido para que el personaje se convierta en un superhéroe. En algún momento, al inicio de su vida adulta, Clark Kent, alentado por sus padres adoptivos, decide utilizar sus poderes para luchar por el bien y la justicia. Nuestro amigo y vecino el detonante… Y he dejado para el final el mejor ejemplo de detonante en un superhéroe de cómic, pero también el más engañoso. Durante mucho tiempo, el único personaje de la compañía Marvel Comics capaz de estar a la altura de Superman y Batman en popularidad fue nuestro vecino y amigo Spiderman. No es extraño. El trepamuros tiene elementos infalibles para que cualquier lector se sienta identificado con él: es un muchacho joven, en absoluto popular, al que las cosas no suelen salirle demasiado bien en lo que a su vida personal se refiere. De hecho, siempre va apurado para llegar a fin de mes. Gracias a las adaptaciones cinematográficas de los últimos tiempos, el origen de Spiderman también es muy famoso: durante una visita a una exhibición científica, una araña afectada por radioactividad pica al pobre Peter Parker, otorgándole las habilidades de un arácnido. Y claro, ante esto, no cabe duda alguna: ese es el detonante. La araña le pica y le da los poderes. No hay más que decir, señoría. Protesto, señoría. Porque sí, la araña le otorga poderes, e incluso se confecciona el traje y se pone el nombre de Spiderman. Pero ¿qué hace Parker a continuación? Los utiliza para hacer dinero apuntándose como luchador profesional y fenómeno televisivo. O dicho de otro modo: lo usa en beneficio propio. Y ese no es Spiderman. En este punto llega el auténtico detonante: durante uno de esos espectáculos, a Parker le niegan la paga por su actuación. Justo entonces un ladrón roba al productor que no había querido pagarle. Como venganza, Parker decide dejarle marchar. En un giro del destino aleccionador, el mismo criminal acudirá poco después a robar a la casa de los Parker y matará al tío Ben, padre adoptivo de Peter. El muchacho decide perseguir al asesino, lo detiene, y cuando lo desenmascara… ¡Sorpresa! El mundo se le viene encima cuando comprende que fue su afán de venganza lo que en realidad mató a su tío. Ese es el detonante, el momento en que nace el verdadero Spiderman. Conclusiones Como acabamos de ver

Aunque la literatura es un arte complejo y lleno de matices, todos ellos igual de importantes, estaréis de acuerdo conmigo en que los tres elementos más importantes a la hora de crear una novela son el argumento, el escenario (en el espacio pero también en el tiempo) y, por supuesto, los personajes. Es en el desarrollo de estos donde una obra puede precipitarse en el abismo o, por el contrario, convertirse en un éxito atemporal. Ya os hablé en pasados posts acerca de cómo se pueden crear personajes interesantes usando premisas clave como la importancia de conocerlos bien. Pero hoy voy a indagar en una figura esencial y que seguro os sonará un poco: los arquetipos. Qué son los arquetipos La psicología nos brinda herramientas muy útiles a la hora de crear personajes literarios. De hecho, todos los autores somos de alguna manera psicólogos de nuestras criaturas de ficción, o deberíamos serlo. Algunas de estas armas ya las hemos abordado antes, como la utilización del eneagrama para dotar de profundidad la personalidad de los personajes. Pero no es la única. En 1919, el psicólogo Carl Gustav Jung utilizó por primera vez el término «arquetipo» en uno de sus ensayos. Según desarrollaría a lo largo de los años, el arquetipo es un concepto que hace referencia a las figuras universales presentes en el inconsciente colectivo de los seres humanos. Estas figuras son tan esenciales en las sociedades que una y otra vez las plasmamos en nuestras construcciones culturales. Las podemos encontrar en las religiones, los sueños, la mitología, el cine, la música… y la literatura. Cuando hablamos de personajes arquetipos en la literatura nos referimos a aquellos que están construidos en base a unos fundamentos fácilmente reconocibles para el lector. Son universales y atemporales, los podemos encontrar contextualizados en cualquier época o lugar.  No se limitan únicamente a individuos, sino que también se pueden aplicar a situaciones, llamados «eventos arquetípicos». O tópicos, de una manera más informal. Los arquetipos más conocidos Algunos de los principales (hay tantos que un artículo no basta para enumerarlos) son los siguientes: El héroe: representa, generalmente, al personaje protagónico, que debe vencer el conflicto principal del argumento en pos de un bien mayor (individual o colectivo). El anciano sabio: es el consejero que, en contraposición del héroe, tiene la sabiduría que concede la vejez. La madre: es la cuidadora universal, el pasado feliz, seguro y agradable. El niño: es esa figura inexperta que desconoce los estragos del mundo y la dureza de la vida. La sombra: es claramente el antagonista, el villano, pero lo magnífico es que encarna los valores contrarios (y reprimidos) de la personalidad del protagonista y, en esencia, del propio autor. Jung les puso nombre y teorizó sobre su importancia, pero ¿dónde situamos su origen histórico? En realidad, los arquetipos no tienen un origen pues están ligados a la especie humana. El hombre siempre ha reflejado en sus creaciones ficticias su forma de ser, como no puede ser de otro modo. En el caso de la literatura, deberíamos retrotraernos a la primera obra concebida como tal, el poema de Gilgamesh, datada en el 2000 a. C. En este texto acadio (del que ya hemos hablado en este artículo) se presentan conceptos protagónicos tan familiares como el héroe (Gilgamesh) o el sabio (Utnapishtim). Luego llegaría Homero e incorporaría estos conceptos en su obra. Y tras él, generaciones y generaciones de autores hasta llegar a nuestros días. Ejemplos Antes hemos mencionado los arquetipos más importantes. Seguro que al leerlos te han venido a la mente infinidad de ejemplos. Y es lógico. Uno de los más claros lo podemos ver en «El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde», una de las obras cumbres de Robert Louise Stevenson. En ella el autor enfrenta dos de estos arquetipos: el héroe (el doctor Jekyll) y la sombra (el señor Hyde). Cada uno de ellos representa las dos personalidades contrapuestas del personaje, así que tenemos dos arquetipos en un mismo personaje. Fascinante, ¿verdad? Para la figura del sabio no podríamos elegir a nadie que no fuera Gandalf, en «El Señor de los Anillos», aunque si nos gusta el cine también podemos verlo representado en el maestro jedi Yoda. Héroes hay muchos, pero uno de los más representativos es Harry Potter, pues además también nos aporta otro elemento arquetípico, el del viaje de crecimiento del héroe, que va desde la ignorancia a la madurez. Pero no todo es tan sencillo. Dentro de cada arquetipo hay subcategorías. No todos los héroes son iguales. Existe el individuo común que no tiene cualidades extraordinarias y aún así se ve enfrentado al conflicto; el héroe épico, nacido para las aventuras, que todos asociamos con Heracles, Conan o Beowulf; o el famosísimo antihéroe, al que ya le dedicamos un artículo entero. ¿Debemos usar los arquetipos en nuestras novelas? Me temo que no vamos a tener más remedio que hacerlo. Porque es básicamente imposible escapar de ellos, de lo contrario no habrían sobrevivido durante milenios en el inconsciente colectivo. En la creación literaria hay que tener en cuenta una máxima: todo está ya inventado. Cualquier tipo de personaje que pensemos, cualquier carácter, ya ha sido utilizado antes porque llevamos creando ficción desde que el hombre es hombre. Y esto no es malo en absoluto. La principal ventaja de los arquetipos es que al ser tan reconocibles el lector no tendrá problemas en empatizar con ellos. Siempre que los construyamos de manera correcta. Y es justo ahí donde el autor tiene margen para que sus creaciones no sean simplemente copias de otras. Es en el «cómo» donde está la magia de la escritura. Podemos tomar ese arquetipo de sobras conocido y combinarlo con otros, dotarle de elementos únicos y motivaciones que lo hagan escapar del tópico. Ofrecerle una profundidad inaudita o meterlo en un contexto novedoso, ya sea a nivel de escenario como argumental. La combinación de los tres grandes elementos mencionados al principio (argumento, escenario y personajes) es la mejor manera de diferenciarnos de los